Drawing

Le thème principal de cet ouvrage est double : une synthèse de nos connaissances sur la situation actuelle du dessin de la Renaissance en Espagne et l’émergence d’un statut spécifique du dessin dans la péninsule à partir des années 1560 et surtout avec de plus en plus d’évidence à partir des années 1580. Une des difficultés principales repose sur l’assertion de l’absence du dessin en Espagne pendant toute la première moitié du XVIe siècle et la présence d’un nombre restreint de feuilles pour la seconde moitié avant l’âge baroque.

La pratique du dessin par les artistes espagnols devient de plus en plus manifeste au fil des années pour s’affirmer dans la seconde moitié du XVIe siècle. Elle permet d’établir des relations pertinentes entre la consolidation de cette pratique et des phénomènes historiques et politiques. La corrélation entre plusieurs faits historiques tels que l’affirmation d’une culture espagnole sous le règne de Philippe II et ses conséquences sur le dessin est ainsi de mieux en mieux recensée dans les sources : le monastère de l’Escorial est sans conteste le lieu symbolique de l’émergence d’une culture vernaculaire au cours de la seconde moitié du siècle. L’affirmation d’une pratique du dessin coïncide avec l’affermissement des usages de la langue vernaculaire dans l’écrit à tous les niveaux de la société.

Les relations avec l’appréhension du dessin dans la théorie artistique font l’objet d’une importante partie de l’ouvrage. La présence d’une position théorique sur le dessin considéré également dans ses aspects pratiques y est exposée en même temps que les positions marginales d’artistes de premier plan tels Francisco de Holanda et Greco qui ont énoncé la primauté du dessin comme fondement de toute connaissance artistique. Leurs réflexions y sont discutées dans un contexte où le dessin est encore peu considéré comme champ spécifique.

Les échanges continuels entre l’Italie et l’Espagne à travers les séjours d’artistes de premier plan comme Federico Zuccaro et Pellegrino Tibaldi constituent une des orientations générales de l’ouvrage où les positions artistiques et théoriques se répondent jusqu’à la fin du siècle. Ce dialogue constant entre les deux péninsules est plus enraciné dans la culture espagnole depuis le Moyen Âge et la Renaissance. Les siècles suivants confirment en fait cet esprit d’ouverture à la culture européenne dans cette aire géographique. Dans tous les aspects de la culture artistique de la Renaissance le dessin trouve ainsi sa place et devient plus légitime à mesure que les artistes affirment leur statut au sein de la société.

Le Sūtra des contemplations de Vie-Infinie a joué un rôle déterminant dans l’histoire de la Terre pure cette tradition qui occupe jusqu’à nos jours une place majeure dans le bouddhisme de l’Extrême-Orient. Typique de l’idéal du Grand Véhicule ce texte fournit une méthode complexe pour visualiser le Buddha Amida et son royaume en cette vie-ci ainsi qu’une pratique plus accessible : la récitation du nom de ce buddha (nembutsu) pour aller naître auprès de lui dès la vie prochaine.

Inconnu des sources indiennes mais traduit en chinois au début du Ve siècle de notre ère ce sūtra est depuis une cinquantaine d’annés l’objet d’un débat sur son origine véritable. Cependant il occupe une position clef entre les traductions chinoises archaïques du Grand Sūtra de l’agencement de la Sukhāvatī (IIIe s.) et la floraison de l’école de la Terre pure à l’ère des Tang (VIIe s.). En outre le Sūtra des contemplations se distingue comme l’une des sources importantes de l’art bouddhique sino-japonais depuis l’Asie centrale jusqu’au Japon médiéval. Ses représentations sur les grandes fresques et bannières peintes des VIIIe et IXe siècles découvertes dans les grottes de Dunhuang témoignent d’un long développement iconographique dont les étapes antérieures peuvent être retracées par l’archéologie. Le double intérêt philologique et iconographique de ce texte en fait donc un jalon déterminant dans l’enquête tentant de cerner le processus de l’acclimatation en sol chinois de cette tradition venue de l’Inde via la Route de la soie.

Pour la première fois la présente étude traite de ces deux dimensions conjointement en fournissant une introduction détaillée et une traduction commentée du texte doublée d’une analyse fouillée de son évolution artistique en Chine jusqu’à sa représentation classique au Japon le « Mandala de Taima ».

Jérôme Ducor est privat-docent à la section des langues et civilisations orientales de l’université de Lausanne et conservateur du département Asie au Musée d’ethnographie de Genève.

Helen Loveday est chargée de cours en art asiatique à l’université de Genève et conservatrice à la Fondation Baur (Musée des Arts d’Extrême-Orient Genève).

La Sainte-Chapelle est un chef-d’œuvre hors du commun l’un des monuments du XIIIe siècle les plus appréciés du grand public. Emblème du gothique à son apogée elle est aussi une œuvre majeure dont on connaît exceptionnellement bien le contexte historique et politique de sa création et la personnalité de ses commanditaires le roi Louis IX et sa mère Blanche de Castille. Négligée par les historiens de l’art dès les années 60 du siècle dernier elle connaît heureusement un regain d’intérêt depuis quelques années.

Ce volume rassemble les communications d’un colloque international réuni pour faire la synthèse des acquis les plus récents concernant cet exceptionnel monument. Les contributeurs y traitent de divers aspects de la Sainte-Chapelle: restaurations architecture décor sculpté vitraux fonction signification et mise en scène des reliques liturgie et héraldique personnalité et préoccupations artistiques politiques et religieuses du commanditaire royal à la veille de son départ pour la croisade. Il en résulte une image fascinante et très complète de ce chef-d’œuvre unique qu’est la chapelle palatine de saint Louis.