Giornale Italiano di Filologia

L’articolo propone un’analisi dello sviluppo semantico di vicarius tra III a.C. e II d.C. con lo scopo di collegare le accezioni tecniche più antiche alle successive generalizzazioni (che iniziano con Cicerone). Mentre i significati tecnici più noti di vicarius (‘sostituto’ di un servus e come vicem agens in un munus istituzionale), documentati anche nella letteratura giuridica, sono riconosciuti dai lessici, è stata finora piuttosto trascurata l’accezione di vicarius come ‘sostituto sacrificale’ in un contesto magico-religioso. Questo significato compare in una devotio del III a.C. riportata da Macr. Sat. 3,9,9-13. Gran parte delle occorrenze di vicarius nel periodo in esame sembra in realtà legata proprio a quest’ultima accezione, che viene ripresa e moltiplicata dalla declamazione di scuola. Vicarius si afferma infatti come tecnicismo specifico del linguaggio dei declamatori, per indicare un atto di autosacrificio ricorrente nelle controversie.

[Notes on the Semantics of vicarius (from the Archaic Period to the Early Imperial Age)]

This article analyzes the semantic development of vicarius between the third cent. bc and the second cent. ad, with the purpose of linking the most ancient technical meanings of the word to its subsequent nontechnical meanings (starting with Cicero). While the most common technical, including juridical, meanings of vicarius (‘substitute’ for a servus and, in an official function, a ‘proxy’) are regularly listed in lexicons, the meaning of vicarius as a ‘sacrificial substitute’, in a magical-religious context, has so far received little attention. This meaning appears in a devotio of the third cent. bc reported by Macr. Sat. 3.9.9-13. Most of the occurrences of vicarius in the period under consideration actually seem linked to this last meaning, which is taken up and multiplied by school declamation. Indeed, vicarius becomes a terminus technicus specific to declamation, referring to acts of self-sacrifice that commonly occur in school controversiae.

Le prologue de l’Alexandra de Lycophron ressemble à un récit de messager dans une tragédie, mais il en est aussi très différent. Le serviteur de Priam parle dans un contexte très différent. Il ne rapporte pas ce qui est arrivé ou ce que quelqu’un a fait, mais ce qu’a dit Alexandra. Le discours d’Alexandra est en lui-même un événement. Il en annonce beaucoup d’autres qui se produiront, mais il est destiné à ne pas être cru. Le prologue l’annonce et participe donc à une tragédie de la prophétie inutile et de la fatalité inéluctable.

[Remarks on the Prologue of Lycophron’s Alexandra]

The prologue of Lycophron’s Alexandra looks like a messenger-speech in a tragedy. But it is also very different. The servant of Priam is speaking in a very different context. He does not report what happened or what someone has done, but what Alexandra has said. Alexandra’s speech is an event in itself. It announces many other events which will happen, but it is doomed to be disbelieved. The prologue announces it and is therefore a part of a tragedy of useless prophecy and inescapable destiny.

Nel frammento di Plauto, citato da Servio nel commento a Virgilio, Aen. VI, 774, è possibile conservare la lezione Poenarum, al posto della correzione Poenorum, preferita dai più recenti editori di Servio e di Plauto. Muovendo da una traduzione poetica di Cicerone e attraverso una fitta rete di confronti con autori latini e greci, si ritiene plausibile la difesa dell’espressione Castrum Poenarum, in parallelo al ciceroniano Castrum … Furiarum. Il frammento potrebbe essere ciò che rimane di un botta e risposta, in cui uno dei personaggi voleva indicare ‘un luogo d’inferno’.

[Plautus and the Castrum Poenarum]

In Plautus’ fragment quoted by Servius in the commentary on Virgil, Aeneid VI, 774, the reading Poenarum may be retained in lieu of the correction Poenorum, preferred by the more recent editors of both Servius and Plautus. The expression Castrum Poenarum is defended through a tight network of references to both Latin and Greek authors, culminating in the expression Castrum … Furiarum employed by Cicero in a poetical translation, seen as a possible parallel to Plautus’ Castrum Poenarum. This may have been part of a witty exchange, in reference to some ‘hellish place’.

Il Πείσων che si legge nell’Index Stoicorum Herculanensis, una raccolta, conservataci dal PHerc. 1018, che presenta alle colonne 73-78 una lista dei discepoli di Panezio, non è identificabile, sia per ragioni interne all’Index sia per i legami politici della gens Calpurnia, con l’annalista L. Calpurnio Pisone Frugi, console nel 133 a.C. Pertanto il severo rigore morale, di chiara ascendenza catoniana, di cui costui dette prova nel corso della sua vita e che traspare anche dalla sua opera, non può essere ricondotto anche ad una matrice stoica, anche se questo non significa che egli fosse alieno da contatti con la tradizione culturale ellenica.

[A Stoic-oriented Historian in 2nd Century bc Rome?]

The Index Stoicorum Herculanensis (PHerc. 1018), a collection which at the columns 73-78 contains a list of Panaetius’ disciples, includes a reference to a certain Πείσων, who should not be identified, for reasons internal to the Index and for gens Calpurnia’s political connections, with the annalist L. Calpurnius Piso Frugi. Therefore, the stern moral austerity, due to Cato’s influence, which he demonstrated during his life and showed in his historical work too, cannot be partly attributed to stoic influence. Nevertheless, this does not entail that he was alien to the Hellenic cultural tradition.

Virgil’s episode of Achaemenides was criticized by ancient exegesis because of its discrepancy with the episode of Polyphemus in Homer’s Odissey, as we can infer from the commentaries by Servius and the Servius Danielis. These criticisms seem to have been known to Ovid, who modified Virgil’s episode, in his rewriting of it in the Metamorphoses, in the narrative details criticized by the exegesis. It seems probable that Ovid knew a work of the so-called obtrectatores (detractors), in which Virgil’s work was criticized.

Nel libro XIV delle Metamorfosi Ovidio propone una riscrittura della vicenda di Achemenide trattata in precedenza da Virgilio nell’Eneide (3.588-691). Nell’articolo sono esaminati i casi in cui le innovazioni introdotte da Ovidio trovano riscontro nelle critiche rivolte a Virgilio testimoniate da Servio, Servio Danielino e Scholia Veronensia. Queste coincidenze fanno pensare che Ovidio conoscesse una o più opere critiche nei confronti di Virgilio di cui restano tracce nella tradizione esegetica, che menziona singole critiche per lo più per confutarle.

L’enfasi posta da Seneca sulla tortura, che si è sinora supposta derivare da fattori stilistici (il gusto dell’epoca per il macabro) e storicopersonali (il rischio reale di essere torturati, per i membri dell’élite sotto il Principato), è spiegata in questo articolo in un modo nuovo, basato sulla massima epicurea - adottata da Seneca - secondo la quale il dolore, se acuto, è breve e, se cronico, è lieve. La tortura, infatti, infliggendo deliberatamente dolore grave e prolungato e privando la vittima della possibilità di suicidarsi, mette in crisi il quadro rassicurante della tolleranza al dolore da parte del sapiens, ponendo quest’ultimo davanti al rischio di fallimento.

[Obsession with Torture in Seneca: A Chink in the sapiens’ Endurance?]

Seneca’s emphasis on torture, which is supposed to be rooted in stylistic (the taste for the macabre at the time) and historical-personal factors (the real risk of being tortured, for members of the elite under the Principate), is explained in this article in a new way, based on the Epicurean maxim - adopted by Seneca - that pain, if acute, is short and, if chronic, is mild. Indeed, torture, by deliberately inflicting severe and prolonged pain, and even depriving the victim of the possibility of suicide, breaks the reassuring picture of the sapiens’ pain tolerance and puts him at risk of failure.

L’articolo fornisce una presentazione e un inquadramento cronologico e paleografico di un manoscritto lucaneo sconosciuto della biblioteca di Pinerolo in Piemonte e dà una valutazione delle lezioni peculiari da esso proposte.

[An Unknown Manuscript of Lucan (Pinerolo), Ms. 88, 11)]

The article provides a presentation and a chronological and paleographic framework of an unknown Lucan manuscript from the library of Pinerolo in Piedmont and gives an evaluation of the peculiar readings it offers.

L’articolo propone l’ipotesi che la battuta con cui Tito salutò il padre in occasione del suo ritorno dalla Guerra Giudaica, secondo la narrazione di Svetonio (Tit. 5, 3: «veni, … pater, veni»), alluda all’incontro tra Enea e Anchise in Virgilio (Aen. VI 687-689). Con ogni probabilità Tito voleva allontanare il sospetto di voler costituire per sé un regno autonomo in Oriente e intende, di conseguenza, rimarcare la sua pietas nei confronti di Vespasiano, non diversamente da Enea nei riguardi di Anchise.

[Titus as Aeneas. A Case of Vergilian Intertextuality at Suet. Tit. 5.3.]

This paper suggests that the line uttered by Titus to greet his father at the return from the Jewish war, as reported by Suetonius (Tit. 5.3 veni, … pater, veni), alludes to the encounter between Aeneas and Anchises in Virgil (Aen. VI 687-689). In all likelihood Titus wished to refute his alleged intention to establish a kingdom for himself in the East by claiming a pietas towards his own father non unlike Aeneas’ pietas towards Anchises.

L’articolo discute un caso finora inesplorato di acrostico in Apul. Met. 9.8, ricorrendo non soltanto all’analisi letteraria, ma facendo altresì assegnamento su un sistema informatico, in corso di progettazione, che facilita il reperimento del lusus cercato.

[Using Digital Humanities for Finding Acrostics in Latin Literature: A Case Study (Apul. Met. 9.8)]

The paper focuses on an undiscovered acrostic in Apul. Met. 9.8, which is found not only thanks to a literary analysis, but also relying on an automatic recognition programme which is now being developed.

Questo studio prende le mosse dalla ekphrasis della statuetta di Mercurio che Apuleio esibisce in tribunale (apol. 63). La descrizione viene confrontata con altre ekphraseis aventi come soggetto la bellezza maschile: da qui si può comprendere qualche sia la tecnica retorica con cui Apuleio costruisce le sue descrizioni.

A partire dall’attenzione per la chioma, il discorso si sposta poi sull’autoritratto di Apulelio, attraverso il quale l’autore conferma la sua strategia difensiva, che prevede la sua assimilazione alla figura di Socrate.

[On an ekphrasis in Apuleius’ Apologia: The Mercury of a New Socrates]

This research starts from the ekphrasis of a statuette of Mercury which Apuleius exhibits in a court of law (apol. 63). Then the description is compared to other ekphraseis whose subject is male beauty. Here we can understand the rhetorical technique with which Apuleius builds up his descriptions. After a starting focus on his hair, his speech moves on to Apuleius self-portrait, through which the author confirms his defensive strategy, aiming at his assimilation with the figure of Socrates.

Auson. Epigr. 72 Green è di fatto l’unico testo degli Epigrammata ausoniani in cui il Burdigalese menziona espressamente il nome di Ovidio, ma è anche un epigramma in cui i riferimenti alle Metamorfosi ovidiane sono molteplici e costruiti su più livelli interpretativi. Scopo del presente contributo è di mettere in evidenza il valore programmatico che il carme assume, nell’esplicitare il proprio modello di riferimento, per una specifica classe di epigrammi ausoniani a soggetto mitologico ispirati apertamente al poema esametrico ovidiano, dal quale Ausonio desume aspetti estetici fondamentali e alcune strategie comunicative (relative, per es., alla rappresentazione della corporeità, alla dialettica verità/finzione, nonché alla comunicazione autoriale e all’alterità del soggetto enunciante).

[Ausonius, Epigr. 72 Green: “Naso’s Poems” (Nasonis carmina) and the Ovidian Model]

Auson. Epigr. 72 Green is, in fact, the only text of Ausonius’ Epigrams in which the poet clearly mentions Ovid’s name (Nasonis); it is also an epigram in which the references to Ovid’s Metamorphoses are manifold and built on multiple interpretative levels. The purpose of this article is to demonstrate the poem’s programmatic role - pointing to Ausonius’ source of inspiration - within a specific group of epigrams with a mythological subject, a group that has been plainly influenced by Ovid’s hexametric poem. My paper shows how Ausonius takes up from Ovid’s epic not only aesthetic aspects such as the representation of the body and the relationship between truth and fictionality but also poetic strategies through which the text conveys the authorial meaning to the reader and emphasizes the otherness of the speaker.

El verso del papiro de Berlín BKT 5.1, pp. 7-18, n^o I 2, datado en los siglos II-I a.C., recoge un comentario de un poema órfico antiguo sobre el rapto de Perséfone y su búsqueda por su madre Deméter. El texto, muy fragmentario, incluye un relato en prosa con citas de un poema atribuido a Orfeo, pero muy similar al Himno homérico a Deméter. El himno ha sido tradicionalmente la referencia para el estudio del papiro berlinés, pero el mito de Perséfone fue muy popular en la Antigüedad, por lo que el texto del papiro puede reflejar otras tradiciones, como la siciliana o la órfica. En el presente artículo, comparo el papel de Deméter en el papiro con su función en otras versiones del mito, con el fin de examinar si dichas versiones se encuentran reflejadas directa o indirectamente en el papiro y en qué medida pueden servir de apoyo para reconstruir el texto fragmentario. En primer lugar, se presentan los datos referentes al propio papiro (fecha, procedencia y ediciones). A continuación se citan brevemente las diferentes versiones del rapto de Perséfone y, por último, se analizan distintos episodios protagonizados por Deméter en el papiro y se comparan con otras versiones. El análisis y la comparación de episodios individuales resulta imprescindible para determinar qué aspectos corresponden a la tradición presente en el himno homérico, cuáles se relacionan con otras tradiciones como la siciliana y cuáles se encuentran solo en la órfica.

[Demeter in the Berlin Papyrus BKT 5.1, pp. 7-18, n^o I 2]

The versus of the Berlin Papyrus BKT 5.1, pp. 7-18 n^o I 2, dated to the second-first bce, comprises the commentary of an ancient Orphic poem about the rape of Persephone and her search by her mother Demeter. The very fragmentary text contains a prose account in which there are some quotations of a poem attributed to Orpheus, but very similar to the Homeric Hymn to Demeter. The hymn has traditionally served as the main reference for the study of the papyrus, but the myth of Persephone was very popular in Antiquity, so the papyrus text may reflect other traditions, such as the Sicilian or the Orphic ones. In the present paper, I compare the role of Demeter in the papyrus with her role in other versions of the myth in order to examine whether these versions are directly or indirectly reflected in the papyrus and to what extent they can serve as a support to reconstruct the fragmentary text. Firstly, I begin by recalling some data about the papyrus (date, origin and editions). Secondly, I speak briefly about the different versions of the rape of Persephone. And finally, different episodes, in which Demeter is the main agent in the papyrus, are analyzed and compared with other versions. The analysis and comparison of individual episodes is essential to determine which aspects correspond to the tradition testified by the Homeric hymn, which are related to other traditions such as the Sicilian one, and which are found only in the Orphic one.

Mythology has undoubtedly had an inestimable influence on most modern thought, art, and literature. Although myths are ubiquitous and often serve as the texture of modern storytelling, their manifestations and use in the works of Stephen King have largely gone unnoticed. The approach taken in this essay for is twofold in design. Firstly, the essay examines myths in King’s work. These instances are reviewed not only according to content and context but also analysed through the lenses of scholarly commentary written on these passages. The second part uses the work of René Girard, especially his examination of the scapegoat mechanism that was first developed in his 1972 La violence el le sacré (Paris: Grasset). This application of Girard’s ideas and theories allows for a fresh reading of King that recontextualises and reinterprets the ritual violence that humans inflict on each other, as found in King. This article establishes parallels between the violence in King to those mythological stories that may shed light on shared universal and transcendent themes.

La mitologia ha indubbiamente avuto un’influenza inestimabile sul pensiero, l’arte e la letteratura moderni. Sebbene i miti siano onnipresenti e spesso fungano da trama della narrazione moderna, le loro manifestazioni e il loro utilizzo nelle opere di Stephen King sono in gran parte passati inosservati. L’approccio adottato nel presente lavoro è duplice per impostazione. In primo luogo, il saggio esamina i miti nell’opera di King. I casi esemplari sono passati in rassegna non solo in base al contenuto e al contesto, ma vengono analizzati anche attraverso le lenti fornite dai commenti che gli studiosi hanno scritto su tali passaggi. La seconda parte fa uso del lavoro di René Girard, in particolare del suo esame sul meccanismo del capro espiatorio che è stato sviluppato per la prima volta nell’opera La violence et le sacré (Paris: Grasset) del 1972. Tale applicazione delle idee e delle teorie di Girard consente una nuova lettura di King che ricontestualizza e reinterpreta la violenza rituale che gli esseri umani si infliggono a vicenda, così come si trova in King. Q uesto articolo stabilisce paralleli tra la violenza in King e le storie mitologiche che permettono di far luce su temi condivisi universali e trascendenti.

Thornton Wilder’s time at the American Academy in Rome was his “golden year”, an inexhaustible fountain of the Muses. His two novels set in Italy, The Cabala (1926) and The Ides of March (1948), derive many of their motifs from Roman history and literature, as filtered through contemporary Italian personalities and social groups. His experiences in Italy and engagement with Italian culture pervade his masterpieces: Our Town (1938) and The Skin of Our Teeth (1942). His last novel, Theophilus North, combines Wilder’s fascination with archaeology, studied at the AAR, with Homeric and Italian themes. Italy, for Wilder, meant the full magnificence of European civilization, from the Etruscans through the Renaissance to the moderns.

Il periodo trascorso alla American Academy in Rome fu per Thornton Wilder il suo “anno d’oro”, l’inesauribile fonte delle Muse. I suoi due romanzi ambientati in Italia, The Cabala (1926) e The Ides of March (1948) riprendono molti motivi dalla storia e dalla letteratura di Roma, filtrata attraverso personalità e gruppi sociali dell’Italia contemporanea. Le sue esperienze in Italia e il suo interesse per la cultura italiana pervadono i suoi capolavori: Our Town (1938) e The Skin of Our Teeth (1942). Il suo ultimo romanzo, Theophilus North, unisce l’attrazione per l’archeologia, studiata alla American Academy, con temi omerici e italiani. Per Wilder l’Italia significava il massimo splendore della civiltà europea, dagli Etruschi ai moderni, passando attraverso il Rinascimento.

La ‘fabula’ di questo ‘romance’ degli ultimi anni di vita di Shakespeare è costruita su due parti, la prima sulla gelosia del re di Sicilia, la cui moglie sarebbe (falsamente) amata dal re di Boemia, che riesce a sottrarsi alla furia del re, mente la regina pare cader a terra morta. La seconda parte invece si realizza a sedici anni di distanza, quando la figlia scomparsa del re di Sicilia (Perdita, infatti) fa la sua comparsa come innamorata del figlio del re di Boemia, nonostante sia ferocemente avverso. Ma a questo punto, grazie ad una verifica della trama, la situazione si chiarisce soprattutto per quanto riguarda la regina Ermione che si è mantenuta in vita in un museo o pinacoteca per opera della sua dama di compagnia, strenua assertrice dei valori del matrimonio.

[Shakespeare’s Way Out from the Curse of Time]

The storyline of this romantic play, one of Shakespeare’s last works, is twofold: the first part centers on the jealousy on the part of the king of Sicily, whose wife is purportedly - but falsely - loved by the king of Bohemia. The latter is able to escape the other king’s anger, while the queen falls down, apparently dead. The second part takes place sixteen years later, when the king’s daughter, whose traces had since been lost, and is therefore aptly called Perdita, suddenly reappears as in love with the king of Bohemia’s son, in spite of this king’s fierce enmity. At this point, thanks to a sort of renewed checking of the plot, the situation unravels, especially as far as queen Hermione is concerned. The latter has been kept alive by her lady-in-waiting, an uncompromising supporter of the values of marriage, in the wise of a work of art in a sort of museum.

L’articolo ricostruisce le polemiche successive alla riscoperta nel 1886 del manoscritto originale del Canzoniere di Francesco Petrarca, ms. Vaticano latino 3195, nella Biblioteca Apostolica Vaticana. La vicenda non si limita alla questione filologica ma investe anche l’aspetto nazionalistico, a causa della recente presa di Roma.

[Literary and Nationalistic Disputes. About the “Rediscovery” of ms. Vat. lat. 3195]

The article reconstructs the controversies following the rediscovery in 1886 of the original manuscript of Petrarch’s Canzoniere, ms. Vatican Latin 3195, in the Vatican Apostolic Library. The matter is not limited to the philological question but also affects the nationalistic aspect, due to the recent taking of Rome by united Italy.