Les Lettres Romanes

S’ouvrant sur l’image d’un protagoniste égaré, plongé dans un décor qui le prive de tout repère spatio-temporel stable, condamné à une fuite erratique qui semble ne jamais devoir s’achever, Gerry de Gus Van Sant et Fuir de Jean-Philippe Toussaint problématisent d’emblée la question de la fin en la posant comme condition d’avènement du récit. Cet article se propose d’étudier en contrepoint ces deux œuvres, l’une cinématographique, l’autre littéraire, afin de déterminer, d’un média à l’autre, les procédés par lesquels le cadre œuvre à sa propre déréalisation. Il s’agira alors de mesurer les implications de cette mise en défaut du cadre par lui-même sur l’émergence d’une image dont la dynamique serait celle du « dénouement ».

The scene opens with the image of a misplaced protagonist immersed in a landscape devoid of any specific spatiotemporal markers, and condemned to a seemingly never-ending erratic flight. Gus Van Sant’s Gerry and Jean- Philippe Toussaint’s Fuir problematise the notion of the ending by considering it as the very condition for the narration’s beginning. This article aims to study these two works in counterpoint, one being cinematographic and one literary, in order to effectively determine the processes through which a setting constructs its own derealisation across different media. This study will thus examine the implications of this self-negation of the setting on the emergence of an image whose dynamic would be that of the “dénouement”.

Dans La Disparition de Jim Sullivan (2013) de Tanguy Viel, la disparition est à la fois un thème et une forme. L’ouvrage raconte en effet la disparition de Dwayne Koster qui, fasciné par l’histoire de Jim Sullivan, se suicide dans le désert du Nouveau-Mexique où disparut le rocker en 1975. Mais ce roman est en grande partie enchâssé dans la relation métafictionnelle de sa genèse, ce qui a pour effet de le faire lui-même partiellement disparaître: son auteur (fictif) ne le cite pas complètement et il ajoute à son texte des ébauches et autres bribes avant-textuelles qui en effacent les contours romanesques. L’ouvrage de Tanguy Viel peut ainsi être envisagé comme une double réponse, existentielle et esthétique, à la question de la fin.

In The Disappearance of Jim Sullivan (2013) by Tanguy Viel, disappearance is both a theme and a stylistic device. Indeed, this publication narrates the disappearance of Dwayne Koster, who, fascinated by the story of Jim Sullivan, commits suicide in the New Mexico desert which was the setting of the rocker’s disappearance in 1975. But this novel is for the most part set in the metanarrative tale of its own genesis, and, as a result, is partially eclipsed: its -fictitious- author doesn’t relate it in its entirety and keeps adding bits and pieces of first drafts and preliminary sketches to his text, thus blurring its boundaries. Tanguy Viel’s work can therefore be perceived as a double response, existential and aesthetic, to the question of the end.

La question de la « fin » occupe une place privilégiée dans la littérature viatique des xx^e et xxi^e siècles: non seulement la pratique du voyage, l’expérience du monde semblent menacées, mais la possibilité d’en rendre compte paraît elle-même mise en doute. Si le chapitre initial de Tristes tropiques (1955) se révèle, à ce titre, emblématique, on est forcé de constater que très nombreux sont les récits de voyage qui entonnent un même chant funèbre, décliné selon des registres divers, cultivant ainsi « la vision pessimiste d’une disparition de l’altérité, plaçant les espaces lointains sous le signe de l’éphémère, du déclin, du glissement irrémédiable et parfois fascinant, vers une dissipation dans la monotonie culturelle mondiale » (Moura, La Littérature des lointains, 1998, p. 409). Méritent dès lors l’attention, dans ce contexte, les récits de voyage qui, à l’instar d’Oreille rouge d’Éric Chevillard (2005), ne se contentent pas de reproduire les clichés (en matière de pratique voyageuse ou d’écriture), mais les dépassent, franchissent une autre frontière, non plus géographique, mais stylistique et/ou narrative, conviant ainsi le lecteur à l’exploration - voire au génie - de l’écriture, peut-être davantage que du lieu. Le travail sur la construction/fragmentation du texte, la distance ironique, le dédoublement du narrateur/voyageur, les jeux sur la langue permettent indéniablement à Chevillard de « réinventer » le voyage, mais aussi de creuser, par ce biais, une des dimensions importantes du champ littéraire contemporain, celle de l’écriture de soi.

The issue of the “end” has been tackled extensively in travel literature of the twentieth and twenty-first centuries: not only does the idea of travelling, and of experiencing the world in this way, seem to be under threat but the very possibility of faithfully reporting these experiences seems itself to be in doubt. If the first chapter of Tristes Tropiques (1955) encapsulates this trend, one cannot but note that a very large number of travel accounts strike a similar, plaintive note privileging “la vision pessimiste d’une disparition de l’altérité, plaçant les espaces lointains sous le signe de l’éphémère, du déclin, du glissement irrémédiable et parfois fascinant, vers une dissipation dans la monotonie culturelle mondiale” (Moura, La Littérature des lointains, 1998, p. 409). In this context, travel accounts such as Oreille rouge by Éric Chevillard (2005) deserve particular attention as they do not simply reproduce clichés (whether in terms of travelling itself or of writing style) but overcome them and cross yet another boundary (no longer geographical but rather stylistic and/or narrative), thus inviting the reader to explore this uncharted space of writing, often perhaps more than place as such. Attention to the construction/fragmentation of the text, ironic distance, the duality of the narrator/traveller roles, wordplay, all of these doubtlessly enable him to “reinvent” travelling but also to look closely into one of the most important dimensions of contemporary literature: writing about oneself.

Cet article se propose d’analyser trois romans mexicains à la lumière des réflexions sur le contemporain menées par Lionel Ruffel dans son ouvrage intitulé Le Dénouement : Hotel DF de Guillermo Fadanelli, Réquiem para un Ángel de Jorge F. Hernández et Conspiración de las cosas de Felipe Soto Viterbo. Ces romans s’inscrivent dans la mégapole de Mexico, prolongeant ainsi une tradition marquée entre autres par Carlos Monsiváis et Carlos Fuentes. L’impact principal de l’environnement urbain du xxi^e siècle semble être une « spectralisation » du corps des personnages: immobilisé chez Soto Viterbo, le corps est « mortalisé » chez Fadanelli et sacrifié chez Hernández. Ces trois modes de traitement du corps correspondent à une certaine conception du réalisme et, partant, de la réalité.

The present article analyzes three Mexican novels in light of Ruffel’s reflection on the contemporary: Guillermo Fadanelli’s Hotel DF, Jorge F. Hernández’s Réquiem para un ángel and Felipe Soto Viterbo’s Conspiración de las cosas. These novels take place in the megapolis Mexico City thus continuing a long tradition marked by, inter alia, Carlos Monsiváis and Carlos Fuentes. The main impact of the twenty-first-century urban environment seems to be a “spectralization” of the characters’ body: immobilized in Soto Viterbo’s novel, the body is “mortalized” in Fadanelli’s and sacrificed in Hernández’s novel. These three configurations of the body reflect a certain conception of realism and, consequently, of reality.

Cet article se propose d’analyser la problématisation de la fin dans le cadre spatial de la nouvelle de Jean Echenoz L’Occupation des sols à l’aide des considérations sur le « dénouement » de Lionel Ruffel. Un parallèle avec deux œuvres fin de siècle - le conte de Villiers de l’Isle-Adam « Véra » et le roman de Georges Rodenbach Bruges-la-Morte - montrera que la description du cadre urbain menée par Echenoz interroge la représentation à l’époque contemporaine tout en révélant la persistance de certains discours perceptibles d’une fin de siècle à une autre.

Using Lionel Ruffel’s considerations on “dénouement”, this article sets out to analyze the problematization of the end in the spatial framework of Jean Echenoz’s short story L’Occupation des sols. A comparison with two fin de siècle works - Villiers de l’Isle-Adam’s tale «Vera» and Georges Rodenbach’s novel Bruges-la-Morte - shows that Echenoz’s description of the urban environment questions the notion of representation in contemporary practice while revealing the persistence of certain discourses from the end of one century through to the end of another.

Personnages fantomatiques, brouillage narratif, processus de mise en abyme forment quelques-uns des îlots les plus visibles du phénomène spectral qui organise l’œuvre d’Antoine Volodine. Les thèmes, le dispositif langagier et les relations intersubjectives sont marqués par un décalage récurrent qui effeuille le sens et le délocalise dans un espace marginal, intermédiaire ou indéterminé. L’analyse de la voix récitante du personnage principal Des anges mineurs, un condamné dont la mort est continuellement reportée, montrera comment ces différents niveaux ordonnent les processus de décentrement, d’effacement et de minoration qui engagent l’œuvre littéraire sur la voie, non plus d’un sens clair et univoquement transmissible, mais d’une expressivité nouvelle qui assume la vulnérabilité anthropologique de la parole.

Ghostly characters, narrative blurriness, mise en abyme processes: these are a few of the most conspicuous features of the spectral phenomenon that structures Antoine Volodine’s work. The themes, linguistic devices and intersubjective relationships are characterized by a systematic discrepancy that relocates the meaning to a marginal, intermediate or indefinite space. In Volodine’s Des anges mineurs, an analysis of the main character’s voice - whose sentence to death is continually postponed - will show how these levels shape the processes of decentralization, dissipation and erosion which, negating the textual univocity, confer to the literary work an original expressiveness assuming the anthropological vulnerability of speech.

C’est à rebours de la décennie spectrale que cet article s’intéresse, c’està- dire à la fin des années 1980 où la littérature tend vers une désubstantialisation de personnages et de cadres spatio-temporels. Dans un premier temps, cette notion empruntée à la physique et à la sociologie fait l’objet d’une théorisation ; dans un deuxième sont présentés certains de ses usages dans Splendid Hôtel (1986), Forever Valley (1986) et Rose Mélie Rose (1987) de Marie Redonnet. L’analyse de ce triptyque porte sur l’évidement sémantique des titres, l’emploi d’une syntaxe minimale et l’usage non conventionnel de signes ; ensuite, sortant de cette dimension linguistique, est abordée la désubstantialisation d’une modernité et celle de personnages pris dans la circulation d’une économie capitaliste et libidinale.

This article starts its countdown from the spectral decade, that is the end of 1980s when French literature aimed at the desubstantialisation of characters and spatiotemporal fictional universes. In the first part, this notion, taken from physics and sociology, is the object of theorization; in the second part, some of its uses in the Marie Redonnet’s novels including “Splendid Hôtel” (1986), “Forever Valley” (1986) and “Rose Mélie Rose” (1987) are presented. The analysis of this triptych focuses on semantic hollowness, the use of a minimal syntax, and the unconventional use of signs. Then, from outside the linguistic sphere, it addresses the desubstantialisation of modernity and of the characters who are caught in the circle of a capitalist, libidinal economy.

Le concept bakhtinien de « récit monologique » opposé au « récit dialogique » s’applique bien à l’adaptation qu’a faite Visconti pour le cinéma du roman publié par Verga trois quarts de siècle plus tôt. Comme dans le livre, le personnage central du film échoue dans son projet de conduire la famille à un mieux-être. Mais le roman, polyphonique, fait entendre les voix dissonantes de la communauté, tandis que l’idéal révolutionnaire du héros épique viscontien laisse entrevoir, pour la Sicile et le monde, un lointain avenir de justice.

The Bakhtinian concept of “monological narrative” as opposed to that of “dialogical narrative” can be used to understand Visconti’s cinematic adaptation of Verga’s novel made three quarters of a century ago.

The central character of both the movie and the book fails in his project to create a better situation for his family. The novel, however, because of inherent polyphonicity provides a place for the dissonant voices of the community, while the revolutionary ideal of Visconti’s epic hero offers a glimpse into a distant world of justice for both Sicily and the rest of the world.

La question idéologique a toujours été au centre de la réflexion sur René Maran, écrivain français d’origine guyanaise, qui ne semble intéresser la critique que dans la mesure où il peut être rattaché aux débats sur la « question noire ». En dehors (et, pour partie, à cause) de cela, Maran reste un écrivain méconnu dans l’histoire de la littérature de langue française, en dépit d’une longue trajectoire littéraire dont les débuts sont bien antérieurs à l’obtention de son polémique Prix Goncourt en 1921. C’est précisément à cette période, presque ignorée, de la trajectoire de Maran que nous consacrons cet article en nous attachant premièrement à l’étude des conditions (familiales, sociales, institutionnelles) qui ont rendu possible l’adoption d’une posture (J. Meizoz) que nous appellerons « dandy » lors de son émergence comme écrivain. Ensuite, nous analyserons les manifestations de cette posture à travers son ethos discursif tel qu’il se dégage des textes de l’époque et notamment de sa correspondance avec Charles Barailley se rapportant à la période entre 1911 et 1921. Cette analyse permettra de mettre en évidence les efforts de l’écrivain pour cultiver sa singularité, réponse problématique aux contradictions qu’il perçoit entre les attentes du champ et ses propres aspirations.

The question of ideology has always been at the centre of discussions of René Maran, the Guyana-born French writer, who seems of interest to critical analysis only insofar as he can be connected to the “question noire”. Apart from (and because of) that, Maran remains an unknown writer in the history of Francophone literature, despite a long literary career that began well before he was awarded the controversial Goncourt Prize of 1921. This paper focuses precisely on this relatively unknown period of Maran’s trajectory. It first analyses the conditions (domestic, social and institutional) that made it possible for him to adopt a dandyesque attitude during his emergence as a writer; then we look at the manifestations of this posture in his writings of that period, especially in his unpublished letters to his friend Charles Barailley between 1911 and 1921. Our analysis highlights the author’s efforts to cultivate his singularity - a problematic response to the contradictions he perceived between the literary field’s expectations and his own aspirations.

Le temps constitue l’un des points nodaux de l’œuvre de Jean-Philippe Toussaint. Parallèlement, le topique de la lumière a, comme il l’affirme dans La Main et le regard, « toujours eu une place centrale dans [s]on travail » (p. 18). Partant de ces deux éléments, nous interrogeons leur articulation spécifique au sein de la tétralogie Marie Madeleine Marguerite de Montalte, afin de cerner la logique de l’imaginaire qui en résulte.

Time is one of the main components of Jean-Philippe Toussaint’s literary work. Simultaneously, the theme of light has always occupied, as he explicitly stated in La Main et le regard, “a central place in [his] work”. With these two features as the starting points of this analysis, we examine the particular ways in which they are articulated within the tetralogy Marie Madeleine Marguerite de Montalte, in order to identify the resulting logic of imagination.